Julio Le Parc en la Fundación Atchugarry: “El optimismo es un motor para transformar las cosas” – Noticias de Uruguay y el mundo actualizadas

Fernand Cisnero, Manantiales
An Quintaesenciaargentino Julio Le Park offréiert e Spill. La muestra —curada por su atelier con dirección de Yamil Le Parc, su hijo, y que reúne en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry, obra de sus más de 60 anos de carrera— ass eng lëschteg Invitatioun fir eng Welt vu Formen, Faarwen anzeginn y luces invitéieren op Iwwerleeung, Reflexioun y, por qué nee, a ser betters.

De Park huet 94 Joer, gebuer zu Mendoza a wunnt zënter 1958 zu Paräis. Ilustre ejemplo -aunque el concepto es limitinge- de los artes kinéticos y op (de “optico”), su obra ha sido saludada por la critique como una de las más wichteg de su generación.

“Ass ee vun de grousse Vertrieder vun der zäitgenëssescher Konscht”, schreift Leonardo Noguez, Direkter vum Musée, fir de Katalog. “Enriqueció el repertorio artistico, creando piezas que activen la percepción del público, transmitiendo libertad, energy y optimism”. Buen resume.

D’Bestëmmung vun Quintaesencia als laberinto de luces y sombras da algo hipnótico a la experiencia. El pensar el vínculo entre el espectador y su obra es una crucial parte de su cuerpo de trabajo.

Eso ha estado en Le Parc, ya desde los tiempos del GRAV (Visual Art Research Group, oder Sea Group of Investigación de Arte Visual), e kollektive, justamente, vun theoretesch a praktescher Reflexioun.

Ya el objetivo de aquel grupo, dicho por el propio artist, Ära “escapar de las corrientes actuales del arte en las cuales la consecuencia es el pintor único, para tratar, a través de un trabajo en equipo, de clarificar los diferentes aspectos del arte Vue”.

“Mi trabajo iba a la búsqueda de un spectador diferente, no al habitual del museo”, de Contó ahora Le Parc a El País. “Que viviera una experiencia directa sin pasar por los filtros o las exigencias de que el espectador tiene que estar cultivado, con cierto nivel estético, una sensibilidad déarrollada. Lo mío trataba de ser lo más directo possible de manera que cualquier persona podía ser cómplice mío y participe de la experiencia.

Foto: Ricardo Figueredo

Quintaesencia (que fue inaugurada el 3 de enero) ass den éischten individuellen Musee vum Le Parc an Uruguay mat enger legendärer Ausstellung am Instituto General Electric (el IGE, frente a la Plaza del Entrevero), en Hito-kulturelle vun 1967. El director del IGE, Angel Kalenberg, cuenta, en otro texto, cómo revolucionó el arte nacional.

Por entonces, D’Venia Park vun ganar el Gran Premio Internacional de Pintura an der Bienal di Venecia, reconocimiento inedito fir eng latinoamericano.

“Me trataron muy bien aquella vez in Uruguay”, contó Le Parc a El País. “Me dijeron que me iban a llevar a un lugar con playas muy lindas y Ära Punta del Este: Ära Solo Arena y Alguna Casita”.

D’Kambiado huet d’Entonces fir d’Persistenz an d’Relevanz vum Le Parc.

“Optimismo siempre”, huet mech mat faarwege Réck am wichtege Katalog vun der Sendung festgehalen. Hay algo lúdico en ese autógrafo trazado con dos lapiceras pegadas, una azul y otra roja, que generan una suerte de Ilusión optica tan propia de su obra. Vun ahora es una de mis posesiones más preciadas.

Sobre la muestra, su carrera y otras cosas, El País charló con Le Parc. Dëst ass e Resumé vu sengem Gespréich.

—En dos textos del catálogo, hay citas suyas -una de los 70, otra más reciente- en las que las distintas etapas de su carrera, avec veces tan distintas entre sí, han incidido en alguna mirada mirada sobre su obra. Wat ass et?

—Esta exposición, por ejemplo, alguien puede pensar que es de varios artists and diferentes moments. Et ass e Bild vun der Mark oder engem Stil. Am Allgemengen, e Kënschtler ze verfollegen ass méi einfach wéi d’Tena Persistencia y una continuidad y que haya tantos cambios puede dar lugar à critiques. Si las hubo kee mech Afectaron.

—En ese sentido, ¿qué papel le atribuye a la critica?

-Hay que atribuirle la importancia que puede tener. Et ass d’Kritik hei alguien que la escribió, miro la obra y reflexionó y si llegó a decubrir algunos Mechanismen vun trabajo oa darle une Interpretatioun, eso es positivo. Am Allgemengen ass et net méiglech, datt all Puedan sus propias reflexiones integréiert.

— ¿Cómo se valoriza una obra?

—La valorización queda en manos del grupo muy reduzéiert de gente que puede visitar las musestras, conversarlas entre su círculo. Mä et ass keng Trasciende, keng Tie ninguna forma. An cambio, wann viene alguien que tiene dinero y compra, eso ya es un acto de valorización. Et gëtt keng Kompensatioun. Desde el comienzo fue muy interesante ver cómo la gente tiene una grand capacité de observación y reflexion sin sin se ni erudite, ni criticos, ni estar familiarizada con las exposiciones. Mir si se lse da la ocasión de manifestarlo, lo hacen perfectamente. Hay cosas como que el cuadro de Fulano de tal cuesta cinco milliones de pesos porque eso es lo ha pagado y hemos hechos experiences con imágenes en un barrio pobre y hemos llegado a la conclusion que podía ser comprado por la gente de ese lugar por 300 . Ass en Erliefnes dat señalaba posibilidades de encontrar otras de valorización diferente. Valorización ass eng Schlësselwaff fir d’Konscht ze dominéieren.

-Halt e kanonesche Peso …

—Y también es un arma de penetración cultural. An engem Moment, los norteamericanos dieron cuenta que en el campo artistico ellos no eran los que dominaban. Y secidió Empujar sus Kënschtler y, por lo tanto, bajar lo that llegaba de Europa y devaluéieren an ignoréieren alles wat wäert entstoen aus lo datt se als Subkontinent betruechten, Amerika Latina. Hoy, por ejemplo, me encuentro hasta in the sopael number of Andy Warhol. Et ass wéi méiglech ze léisen.

—¿Wou ass de Warhol Parece?

—Dee es nivel ha habito artists en Madrid, Lima, Buenos Aires y en Uruguay pero Warhol fue inflado y él mismo se infló y lo que fue haciendo fue como de cómplice del sistema capitalista. Dir sidd interesséiert an dësem Niveau pero cuando dicen que fue uno de los grande artists del siglo XX, a mi no me parece. Es, en todo caso, una mercadería impuesta.

Ricardo Figueredo

– D’Pasó Lo Mismo mam Jackson Pollock …

—Cuando decidieron que había que empujar el arte estadounidense fueron al Congreso a pedir fondos para que sus artistas sean los bests del mundo. Les pareció una buena idea pero cuando les mostraron las obras de Pollock dijeron que no porque eran diputados y senadores familiarizados con la pintura figurativa, representativa. Wéi och ëmmer, et ass kee CIA fir Fue ayudando, Pagando, Aportando Transport, Comprando Galerías, Pagando Catalogos, Libros. Cuando Ära estudiante en la escuela de Bellas Artes en los años 50, un día el director nos dice “hemos recibido un regalo de la embajada de Estados Unidos”. Ära una caja grande con un aparato para hacer serigrafías y otras cositas y sobre todo libros de los artists norteamericanos.

—Entonces, usted ha sido Testigo directo de esa valorización impuesta…

— Am Joer 1962 Fumos con mis amigos a Nueva York para una exposición y un critico que se hizo amigo de nosotros nos dijo: “vum ahora se terminó el predominio del arte europeo y de inglés en particular”. Eis Contó que había hecho una reunion entre las diferentes galleries con critiques, historydores y coleccionistas y los convencieron de que había que comprar solo to minimo del arte europeo. Nee d’Kreimos. Y tenia razon.

-En ese sentido, usted tenía dos contrariedades Ära un latinoamericano trabajando en Paris.

— Peor todavia.

-Incluso en sus primeros trabajos, el movimiento ass eng konstant. Fir wat?

-El movimiento Ära una manera de ir más adelante de la obra statica.

—¿Dónde está lo latinoamericano en su obra?

—No estuvo en la transfiguración de lo autóctono, que puede ser muy respetable como lo fueron la corriente indigenista o los temas sociales de los muralistas mexicanos. Lo mío lo veía como producto de un continent muy joven y en el que lo que lo que lo que lo que lo que lo que lo que predominant era la capacité de supervivencia, de avanzar, de inventar cosas, analizando todo lo que podía come de cualquier lugar.

-Pero eso podria haberlo expresado de otra manera. Wat ass et?

—Estaba la alternativenativa de ser un artista figurativo que denunciara la situation social (como Berni) o con cuadros figurativos que exaltaran el trabajo o señalaran la explotación del hombre. O hacer cuadros alegóricos fir eng grouss Porvenir. D’Otra Ära ir Viendo mat Formen a Faarwen Einfachen an Entablar esa Relación con la gente a ese nivel. Nee Solo señalarle injusticias, sino hacerla fillt sech gutt. Wann déi dreckeg Leit vun der Ausstellung e pequeñísimo optimismo aumentado par mí es haber ganado hunn. Cuando hice una grande exposición en el CCK a Buenos Aires à la que fueron miles de personas, muchos me decían que habían llegado all lugar contrariados y salían con las piles cargadas y en una posición positiva para enfrentar sus propios problemsas.

– D’Begrenzung vun der Sicht enthält eng Politik …

—Tiene ese carácter político, claro. Hien huet sech als eng Serie de cuadros sobre la tortura en los 70 que son aportes limitados, eng Manera de Poner a Disposisioun vun enger Dénonciatioun vun dëser Situatioun, la capacidad de saber dibujar o pintar. Et ass wichteg, datt d’Verzweiflung an Optimismus an de Leit ass. Y schafen eng pequeño Mechanismus datt encuentre sus soluciones sola. Den Optimismo, an definitiva, ass e Motor fir Transformator Las Cosas.